Ihre Serien „State of the Blues“ und „Only in America“ zeigen sehr unterschiedliche Facetten der amerikanischen Kultur. Was verbindet diese Projekte für Sie auf einer tieferen Ebene?
Ich bin in Los Angeles aufgewachsen, zog 1974 nach London, wo ich bis Ende 1976 lebte, und anschließend nach Paris, wo ich bis 1993 blieb. 1990 durchquerten meine spätere Frau Laura und ich die USA und fotografierten sie für eine 27-seitige Geschichte in Vanity Fair Italia. Während dieser Reise und der Arbeit an dieser Serie verspürte ich eine starke Inspiration, jenes Amerika zu fotografieren, an das ich mich erinnerte: Aus den Life- und Look-Magazinen, die meine Eltern abonniert hatten, aus den Fernsehserien und Filmen meiner Kindheit, aus den wenigen Reisen mit meinen Eltern und – am wichtigsten – aus unseren Familienfotoalben.
1993 entdeckte ich eine Anzeige für einen Airstream-Wohnwagen aus dem Jahr 1965, den wir kauften und für fotografische Expeditionen ausstatteten. Auf dieser zweiten Reise 1993 war ich mit meiner damaligen Freundin abseits der Hauptstraßen Amerikas unterwegs und fotografierte jede Stadt entlang des alten Oregon Trails (es war das 150-jährige Jubiläum des Oregon Trails). Ich hielt jedes Mal an, wenn etwas, das ich sah, eine Erinnerung aus meiner Kindheit hervorrief. Das Los Angeles meiner Kindheit war zu diesem Zeitpunkt teilweise vom Fortschritt überlagert, doch in den kleinen Städten, durch die ich reiste, war es noch erhalten. 1995 und 1998 unternahm ich zwei weitere Reisen von jeweils zwei bis drei Wochen, um diese Arbeit fortzusetzen.
Die Reise von 1993 wurde nahezu vollständig in Schwarzweiß fotografiert. Ich wollte diese Bilder meiner damals elfjährigen Tochter zeigen, um ihr zu vermitteln, wie Amerika für mich als Kind aussah – und zugleich ein Archiv für das nächste Jahrhundert schaffen, im Bewusstsein, dass diese Welt bald vollständig verschwinden würde.
Den Winter 1993 verbrachte ich größtenteils in meiner Dunkelkammer und fertigte Abzüge für eine Ausstellung an, die 1994 in Brescia, Italien, gezeigt wurde. Als ich diese Arbeiten Kontakten bei Institutionen wie dem Getty Museum und dem Los Angeles County Museum of Art zeigte (und viele Schwarzweißabzüge verkaufte), wurde ich häufig gefragt, ob ich auf der Reise auch Farbfotografien gemacht hätte. Das hatte ich – allerdings nur sehr sparsam und nur dann, wenn das Motiv eindeutig von der Farbe selbst bestimmt war. Auf die Frage „Haben Sie auch Farbarbeiten?“ antwortete ich wiederholt, dass es einige gäbe, diese jedoch nicht aus denselben Beweggründen entstanden seien und es noch zu früh sei, sie zu drucken.
Die Rose Gallery in Santa Monica überzeugte mich schließlich, der Galeriedirektorin meine Farb-Kontaktbögen zu zeigen – etwas, das ich nur widerwillig tat und zuvor nie getan hatte. Doch Rose Shoshana, die Galeristin, war eine Person, der ich uneingeschränkt vertraute. Sie fragte, ob sie die Arbeiten einem Sammler zeigen dürfe, der sich auf amerikanische Farbfotografie konzentrierte. Zu meiner Überraschung verkaufte sie zehn oder elf großformatige Cibachrome-Abzüge, die später dem Getty Museum geschenkt wurden. Auch der Kurator des LACMA sah die Farbarbeiten und erwarb mehrere davon.
Ab 1994 bis 2024 unternahm ich zahlreiche weitere Reisen durch die USA und schuf Farbarbeiten, die schließlich in dem Buch mündeten, das ich derzeit zur Veröffentlichung vorbereite.
Um Ihre Frage zu beantworten: Zu Beginn hatte ich keine übergeordnete Idee, die Fotografien aus der Welt der Bluesmusik und die amerikanischen Bilder miteinander zu verbinden. Das entwickelte sich organisch. Es waren getrennte Projekte, für die ich leidenschaftlich brannte, und wie immer können meine Projekte fünf bis zwanzig Jahre oder länger dauern, bis sie abgeschlossen, veröffentlicht und ausgestellt werden. Ehrlich gesagt war es meine Frau, die als Erste erkannte, dass sie gemeinsam unterschiedliche Facetten der amerikanischen Kultur.
Das Projekt „State of the Blues“ begann für mich mit dem Tod von Muddy Waters. Seit den frühen 1970er-Jahren bin ich ein Liebhaber amerikanischer Bluesmusik – und sogar schon früher, da viele meiner Lieblingsmusiker jener Zeit sich intensiv mit der afroamerikanischen Bluestradition auseinandersetzten: die Rolling Stones, die Beatles, John Mayall, Eric Clapton und viele andere. In meinen frühen Jahren war mir nicht bewusst, dass diese Künstler nicht die ursprünglichen Schöpfer dieser Musik waren, sondern sie aus der afroamerikanischen Musikkultur einem weißen, jungen Publikum zugänglich machten.
So stellte ich mir selbst die Aufgabe, die damaligen Elder Statesmen des Blues zu finden und zu fotografieren – Musiker, die seit den späten 1920er-Jahren bis in die 1950er aktiv gewesen waren und nun alt wurden und bald weder musizieren noch leben würden. Wie ich Zugang zu ihnen bekam, ist eine längere Geschichte, doch in der Anfangsphase wurde ich von Nigel Shanley unterstützt, dem Direktor des House of Blues, als dieses gerade den Club in Los Angeles eröffnete – den dritten nach Boston und New Orleans. Ich zeigte ihm Beispiele meiner Porträtarbeiten berühmter Persönlichkeiten, und er erlaubte mir, mein mobiles Studio im Club aufzubauen und die auftretenden Künstler zu fotografieren. In den folgenden fünf Jahren richtete ich mein Studio bei Blues-Festivals und Revivals in den USA ein, fotografierte die Musiker dort und in ihren Häusern. Das Projekt wurde in drei Sprachen veröffentlicht, mit über 50.000 gedruckten Hardcover-Exemplaren, herausgegeben von der Aperture Foundation in den USA und Ludwig Könemann in Köln. Eine kuratierte Ausstellung großformatiger, getonter Silbergelatineabzüge tourte anschließend durch 13 amerikanische Museen in 13 US-Bundesstaaten.
Viele Ihrer Porträts besitzen eine besondere Intimität und Nähe. Wie gelingt es Ihnen, das Vertrauen Ihrer Porträtierten zu gewinnen und so authentische Momente festzuhalten?
Von den frühen 1990er-Jahren bis ins frühe 21. Jahrhundert bestand mein „Brotberuf“ darin, Prominente und Musikpersönlichkeiten für Magazine und Plattenfirmen zu fotografieren. Als ich 1993 aus Europa zurückkehrte, erkannte ich, dass das wichtigste Arbeitsfeld die Prominentenporträtfotografie sein würde. Also baute ich ein Studio auf und begann für viele amerikanische und europäische Magazine zu arbeiten.
Viele meiner talentierten Kollegen in Los Angeles waren tief in der Filmindustrie verwurzelt und kannten jede Rolle, jeden Film ihrer Protagonisten. Ich hingegen näherte mich der Arbeit aus der Perspektive eines Porträtkünstlers. Ich bin tief in der Geschichte der Fotografie verankert; die Filmindustrie spielte für mich eher eine periphere Rolle. Ich mochte Filme, investierte mich jedoch nicht in die Branche – und entwickelte dadurch einen anderen Zugang zur Arbeit.
Mich interessierte vor allem das Phänomen des Ruhms. Ich wollte Menschen fotografieren, die in dem Goldfischglas Hollywoods und im Strudel der Berühmtheit lebten. Ich wollte sie von ihrem öffentlichen Image lösen und sie als interessante Persönlichkeiten auf meine Weise festhalten. Man kann sagen, dass ich mir selbst beigebracht habe, Porträts in sehr kurzer Zeit zu machen. Ich recherchiere meine Motive nicht. Ich habe eine Vorstellung davon, wie ich sie fotografieren möchte, und sobald sie vor meiner Kamera stehen, habe ich nur wenige, aber intensive Momente, um so tief wie möglich vorzudringen – oft, ohne dass sie sich dessen wirklich bewusst sind.
Ein Fotograf muss den Moment dominieren und sehr schnell erfassen, was er sucht. Verpasst er diesen Augenblick, fallen die Porträtierten rasch in ihre gewohnten Posen und Ausdrücke zurück – sie werden sich ihrer Wirkung bewusst und dessen, was sie preiszugeben bereit sind. In diesem Moment dient der Fotograf nur noch der Öffentlichkeitsarbeit für einen neuen Film oder ein Album.
Wie hat Ihr Blick auf Amerika Ihre fotografische Arbeit geprägt, und welche Perspektive möchten Sie dem europäischen Publikum in München eröffnen?
Ich reagiere instinktiv auf das, was ich durch die Linse sehe – auf die Emotionen oder die Erinnerungsebene, die meine Motive prägen, und darauf, wie ich sie fotografiere. Ich fotografiere sehr wenig vom Offensichtlichen. Ich versuche, das unmittelbar Wahrgenommene festzuhalten und betrachte die Bilder oft erst viel später im Kontext der gesamten Arbeit, um zu sehen, wie sie sich zu einer kohärenten Erzählung verweben lassen.
Die Bildsequenzierung ist dabei von entscheidender Bedeutung. Fotografien, die sich in einer Ausstellung gegenüberstehen oder nebeneinander hängen, müssen sich visuell unterstützen und den Betrachter gezielt durch das Projekt führen, damit er möglichst viel von meinem gesamten Prozess aufnehmen kann.
Da ich viele Jahre im Ausland gelebt habe, bin ich mir bewusst, wie Europäer Amerika sehen und erleben – unkonventionell und individualistisch. Wir kümmern uns nicht darum, was unsere Nachbarn denken oder sagen, sondern fühlen uns frei, uns so auszudrücken, wie wir möchten. Ich fühle mich zu Bildern hingezogen, die, oft mit einem Hauch von Humor und meiner Zuneigung zu ihnen, einfangen, was sie für mich visuell so interessant macht. Ich arbeite daran, Bilder zu schaffen, die anderswo nicht hätten entstehen können. Das ist mir bewusst, weil ich die europäische Kultur so gut verstanden habe, dass ich erkenne, wie einzigartig und visuell faszinierend diese Ansichten von Amerika für Menschen sein können, die nicht aus den USA stammen. Ich habe bewusst stets auf jegliche politische Bezüge verzichtet und mich stattdessen auf die Amerikaner und Amerika abseits der Großstädte (die mir alle gleich erscheine) konzentriert, um zu zeigen, wer sie als Menschen sind, die einfach ihr Leben leben.
Die ausgestellten Fotografien sind über contact@mark-robinow.com erhältlich.
